n°225 La pendule noire (1869)Paul Cézanne

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kART d'identité Œuvre : Nature morte au crâne Artiste : Paul Cézanne  Année : 1898 Technique : Huile sur toile Epoque : Contemporaine Mouvement : Impressionnisme Lieu : Collection privée

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Voici une nature morte peinte par Paul Cézanne. Un style dont ce peintre est le spécialiste! Pendant longtemps, il adorait peindre des fruits et des objets posés sur des tables. La Pendule Noire est une nature morte un peu différente car les objets qui y sont représentés sont plutôt précieux.

Le tableau représente en fait le salon de l’écrivain Emile Zola, dont l’appartement était située rue de la Condamine à Paris. Cézanne a aménagé cette petite table avec des objets qu’il a lui-même apporté pour ce tableau, comme la nappe blanche, le citron et le grand coquillage. Il ajoute également quelques objets ayant appartenu à l’écrivain : une tasse accompagnée de sa soucoupe, un encrier, et cette fameuse pendule noire. Celle-ci attire notre attention car elle n’a pas d’aiguilles.

Difficile de comprendre le rapport entre tous ces objets. Certains pensent qu’ils représentent chacun une part de la personnalité de Zola, vue par le peintre. Ainsi, le coquillage (ressemblant à des lèvres rouges) représenterait le côté féminin de l’écrivain, son encrier symboliserait son talent d’écrivain alors que la pendule sans aiguilles évoquerait l’éternelle amitié entre les deux hommes.

Le bleu est assez présent sur cette œuvre. On dit même que pour peindre ce tableau, il aurait utilisé au moins seize nuances de bleu différentes ! Toutes ces nuances créent un jeu entre l’obscurité et la lumière.

Le tableau est resté chez Emile Zola jusqu’à la mort de celui-ci. Puis, il sera vendu aux enchères en 1903 avec huit autres tableaux et a appartenu à l’acteur Edward G. Robinson.

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n°098 Nature morte au crâne (1898)Paul Cézanne

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kART d'identité Oeuvre : Nature morte au crâne Artiste : Paul Cézanne  Année : 1898 Technique : Huile sur toile Epoque : Contemporaine Mouvement : Impressionnisme Lieu : Barnes Foundation (Philadelphie, USA)

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Après avoir peint toute une série de tableaux montrant des hommes et des femmes dans leurs vies quotidiennes, Cézanne s’intéressa aux natures mortes.

Une nature morte est un tableau qui, comme son nom l’indique, représente des éléments naturels inanimés : des fleurs en pots, des fruits et des légumes. C’était une manière de peindre la nature sans aller à l’extérieur. Ces natures mortes permettent aussi aux peintres de disposer leurs sujets comme ils le souhaitent et choisissent  leurs couleurs, leurs positions.

Pour Cézanne, la nature morte est un motif comme un autre, équivalent à un corps humain ou à une montagne, mais qui se prête particulièrement bien à des recherches sur l'espace, la géométrie des volumes, le rapport entre couleurs et formes. Les peintres disposaient leurs sujets sur une table et peignaient. Au XIXe siècle, les natures mortes étaient très à la mode.

Cézanne n’était jamais satisfait de ses tableaux. D’ailleurs, la plupart d’entre eux ne sont pas signés. Le peintre estimait qu’ils n’étaient pas terminés. C’était un peintre qui prenait énormément de temps pour peindre un tableau, parfois des mois entiers ! La légende dit que Cézanne peignait tellement longtemps que souvent les fruits pourrissaient.

Cézanne était fasciné par les natures mortes, notamment par les pommes. Il a peint de nombreux tableaux représentant des pommes dans des paniers. Peindre des natures mortes permettait à Cézanne de prendre du temps pour peindre ses tableaux, ce qui n’est pas facile quand le sujet du tableau est un être humain !

Là où les peintres impressionnistes peignaient souvent des bouquets de fleurs ou des paniers de fruits, La nature morte au crâne que nous vous présentons aujourd’hui est différente des autres. C’est un tableau qui étonne par la présence de ce crâne posé sur la table.

Certains pensaient que ce tableau était une vanité, c'est-à-dire que le crâne symbolisait la mort, la brièveté de la vie, tout comme les fruits. En peignant un crâne parmi les fruits, le peintre ne souhaite pas provoquer, choquer. En fait, le crâne n’a pas de signification particulière, aucun symbole. Cézanne ne faisait aucune différence entre un crâne et un fruit. Il a peint ce crâne simplement parce qu’il trouvait la forme et les couleurs intéressantes.

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n°050 Les Joueurs de cartes (1892)Paul Cézanne

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kART d'identité Oeuvre : Les Joueurs de cartes Artiste : Paul Cézanne   Année : 1892 Technique : Huile sur toile Epoque : Contemporaine Mouvement : Impressionnisme Lieu : Musée d'Orsay (Paris)

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A la fin du XIXe siècle, l’époque des impressionnistes, de nombreux peintres adoraient peindre des joueurs de cartes. D’abord, parce que les joueurs bougeaient peu ce qui avantageaient les peintres. Ensuite parce que les expressions du visage des joueurs concentrés intéressaient les peintres.

Paul Cézanne est à la fin de sa longue carrière de peintre lorsqu’il décide à son tour de peindre des joueurs de cartes dans sa ville natale d’Aix-en-Provence.
Pendant cinq ans, de 1890 à 1895, il va peindre toute une série de tableaux sur ce thème. Est-ce parce qu’il n’était jamais satisfait du résultat ou est-ce parce qu’il adorait profondément ce thème ? Personne ne le sait.

En tout, Cézanne peint cinq toiles sur le thème des joueurs de cartes. La série montre la volonté de Cézanne de peindre des hommes simples, des paysans, dans des lieux simples  tels que ces cafés dénudés. Le lieu même choisi par le peintre étonne car d’habitude, les peintres peignent les paysans en train de travailler durement dans les champs. Cézanne, lui, peint les paysans en train de jouer, de se reposer.


Les 4 autres versions du tableau

Les Joueurs de cartes, 1890-1892,  Barnes Foundation, Merion, Pennsylvania	Les Joueurs de cartes, 1892–1893, The Metropolitan Museum of Art, New York
Les Joueurs de cartes, 1892-1893, Appartient à la famille royale du Qatar	Les Joueurs de cartes, 1892-1895, Courtauld Institute (London)

Dans cette série, on voit uniquement des personnages masculins, la pipe à la bouche et les cartes en main, le visage baissé, concentré vers la partie, ce qui donne au spectateur l’impression de les déranger en les observant. Les jeux de lumière et d’ombre – jugée par Cézanne comme "une couleur comme la lumière, mais moins brillante"- fabriquent cette impression de concentration des joueurs et ce sentiment d’intimité.

Sur la version que nous avons choisie, on voit bien dans l’expression des deux visages, la concentration du jeu. La bouteille, sur laquelle joue la lumière, constitue l'axe central de la composition. Elle sépare l'espace en deux zones symétriques, ce qui accentue l'opposition des joueurs.
Ces derniers seraient des paysans que le peintre observait dans la propriété paternelle du Jas de Bouffan, aux environs d'Aix. L'homme fumant la pipe a pu être identifié comme étant le "père Alexandre", jardinier du lieu.

Longtemps plus tard, en 1996, la Banque de France a honoré Cézanne en éditant un billet de cent francs avec le portrait du peintre et un logo de sécurité qui reprend les formes du tableau des joueurs de cartes.

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